編舞概論 (原名：舞蹈編排 0~61) 是面向新生的第一堂火舞通識課，用淺顯易懂的文字、生動有趣的案例，引領新生走入火舞表演的世界，系統性地編排表演、科學化地檢視表演。

內容分為三個階段，「定義」介紹火舞表演的構成元素，討論火舞表演的核心價值，「0~60 建構表演」以標準作業流程的模式，從零開始建立一個及格的表演，「60~61 解構表演」則引入解析與品評表演的手段，重構一個不只是及格的表演。

本文是以「火舞」和「火扇」為主要討論對象，不同的表演形式、舞蹈類型或其他火舞道具雖可借鑑，但也可能存在過於狹隘涵蓋不足或部分內容無法適用的情況，敬請讀者酌情參考。

僅期望讀者能在更高的起跑線，以120分的努力，追求100分的表演，然後接受80分的自己，共勉之。

表演的構成要素可分為三大項： 表演者、舞台和觀賞者。

表演者是表演的主體，訊息的傳遞者，表演者著重於演技，包含本身的身體、情感和聲音，與表演所需的道具技術。舞台是表演的場域與框架，既提供又限制表演的空間。觀賞者則是表演的核心，訊息的接收者與轉譯者，觀察者著重於知覺，包含對表演者的觀察、認知和解讀，與本身的自我意識形塑的想像。

火舞表演的構成要素可分為三大項： 火舞表演者、舞台和觀賞者。

火舞表演中的表演者是火舞表演者。

火舞表演者的構成要素可分為三大項： 人、道具和火。

火是物質燃燒過程中所進行的強烈氧化反應，其能量會以光和熱的形式釋放，直接接觸會對人體造成傷害，因此人與火之間需要一個媒介，也就是道具，所以火舞是一項操控物件的表演。

火舞表演者是「與火共舞的表演者」，那麼除了「表演者」(人)、「火」(道具和火) 之外，「舞」重要嗎？

表演者建構表演，觀賞者調節表演。觀賞者的存在、認知和情感賦予表演價值並且定義表演。而觀賞者之間的差異性使得相同的表演得到各種不同的解讀，打破了表演只傳遞單一固定訊息的刻板印象。

表演者是訊息的傳遞者，而所有訊息圍繞著一個核心內容，你的表演主題。

觀賞者是訊息的接收者與轉譯者，觀賞者的心智年齡、成長背景與當下的狀態都會影響訊息的有效接收和進一步轉譯。整個觀眾群體的組成是影響你要傳遞什麼訊息的重要決定因子。

火舞是一項操控物件的表演，因此道具 (和火) 是傳遞訊息最主要的手段，而表演者的身體與情感也會承載訊息，聲音則包含配樂、口白和表演者自身的聲音等等。

人的五大感官： 眼睛、耳朵、鼻子、舌頭、皮膚，對應基本五感： 視覺、聽覺、嗅覺、味覺、觸覺。英國研究顯示，日常94%的知覺都集中於視覺與聽覺，對於火舞表演的觀賞者也正是如此。觀賞者的嗅覺在大多數情況下唯一接收到的是煤油味，而觀賞者的味覺和觸覺在火舞表演中則希望永遠不會接收到訊息。

經由道具、身體和情感傳遞的訊息被視覺接收，經由聲音傳遞的訊息被聽覺接收。

大多數情況下觀賞者聽覺所接收到的訊息，由表演的配樂主導。當觀賞者從視覺及聽覺接收到的訊息不一致時，直接導致轉譯困難或轉譯失敗。

「被誤解是不是表達者的宿命」是近年一道有趣的辯題，在辯場有好幾回精彩的交鋒。它在編舞概論肯定是超綱的，但既然講到了訊息的傳遞、接收和轉譯，那就順勢拋出這題，或許能在現時或未來的某個節點引發不同的思考。

當你選擇表達 (在此可能是透過火舞)，你的內在世界就會經過無數層過濾，從你的意圖，到你的技術，再到觀眾的解讀。而每個觀眾帶著自己的人生經驗去觀看、詮釋，他們的理解往往與你的初衷不完全相符。如果表達者的宿命是被誤解，那或許我們能做的，不是強求所有人理解，而是繼續表達，讓時間、經驗、交流去累積一種更深的共鳴。這種張力，正是藝術的魅力之一。

表演者以富有情緒的身體操控點了火的道具隨著配樂在舞台表演給觀賞者觀賞。

表演一定有風險，火舞表演有好有壞，建構前請詳閱公開說明書。

先選擇音樂，再決定主題相對容易。首先音樂自己帶有主題，它的MV可能也帶有主題，其他人曾經使用它作為配樂的表演也帶有主題，他們都可能是你靈感的來源。並且當你選擇這首音樂時，多半已經有了一定程度的構想，才會做出選擇，這些構想也能幫助你確立主題。

先決定主題，再選擇音樂相對困難。儘管世界上存在的音樂形式不可勝數，但個人所接觸的音樂作品仍然相對有限，雖非不可能，但較不易找到真的能適配這個主題的音樂。然而若本人或有專業人士能為表演量身打造配樂則另當別論。

有人列出音樂三大元素、有人列出四大、五大、八大、十大...但以火舞來說，音色、音階、節奏、旋律、歌詞、結構，這六項對「表演配樂」影響最深刻。

音色決定了音樂的質感，影響表演的「畫風」。例如： 乾淨的鋼琴、弦樂，適合細膩、精緻的表演風格；失真吉他、重金屬音樂，則適合粗獷、強烈的表演風格。

音階決定了音樂的情緒深度，影響表演的「氛圍」。例如： 大調通常給人明亮、快樂和積極的感受；小調通常給人黑暗、陰鬱和神祕的感受。

音階由多個音高從低到高排列構成，音高帶有音樂的情緒因子。例如： 高音尖銳、緊張，適合快速旋轉或高拋；低音則厚重、沉穩，更適合大開大合的動作。

節奏是音樂的骨幹，影響表演的速度快慢與動作強弱。例如： 快速、密集的節奏適合強烈、爆發性的舞動；緩慢、有間隔的節奏則容易呈現張力與懸念。

數拍是表演的基本，數拍能建立穩定的節奏感，確保動作落點準確。尤其初學者更需要嚴格數拍，練習掌控旋轉節奏。而在團體演出或多件道具的編排中，數拍能確保整體一致，提升視覺協調性。

對拍是創作的自由，對拍讓表演有更多個性化的詮釋，在節奏框架內靈活變化。包括「反拍」、「延拍」、「自由拍」等等，使表演更具流動性與個人風格。高級的編排往往不只是跟著音樂動，而是與音樂對話。

旋律是音樂的靈魂，影響表演的「印象」。例如： 旋律的音程如果連貫且平順，會讓人感覺流暢、穩定，適合柔和的表演；旋律的音程如果跳躍性大，會讓人感覺活潑、激烈，則適合節奏強衝擊感強的表演。

歌詞是附加在旋律之上的語言層面，輔助音樂的敘事。文字的力量相當強大，使音樂更具象化，所以如果音樂有歌詞，歌詞的內容可以影響表演的故事性。例如： 若歌詞描述掙扎，可以透過斷裂感強的動作來詮釋；若歌詞敘述夢境般的場景，則可以設計流暢、飄逸的舞姿。

觀賞者對歌詞的接收能力也是重要的考量。例如： 台灣的觀眾群體，中文歌詞普遍能被接受，英文歌詞部分能被理解，其他語言多半則否。不同語言的音樂也會影響表演的文化氛圍。例如： 日文和韓文歌詞可能帶有動漫或流行文化感；拉丁語和俄語歌詞則可能營造史詩感。

結構是指樂曲的組成方式，也就是它如何鋪陳、發展、轉折、收束。曲式則是是音樂結構的分類方法。常見的曲式有單二段式、單三段式、迴旋曲式、變奏曲式、與現在最典型的流行音樂曲式。

單二段式 (A+B)： 由兩個樂段構成，彼此通常會形成強烈對比。適合有劇烈轉折的表演。

單三段式 (A+B+A)： 由三個樂段構成，其中第一段和第三段一樣或有輕微變化，而第二段通常是鮮明的對比。適合有情感呼應的表演，例如： 先壓抑，釋放後再回歸平靜，形成完整結構。

迴旋曲式 (A+B+A+C+A+D)： 有一個主樂段和數個副樂段構成，主樂段在基數段，保持基本一致，副樂段在偶數段，則不斷變化。適合有主線劇情且會連續變化的表演。

變奏曲式 (A1+A2+A3+A4+A5)： 從一個完整的主樂段開始，後面的樂段都是在主樂段的基礎上進行發展變化，但保留了主樂段大部分的材料。適合逐步升級的表演，例如： 從相同的基本動作，每次加入不同變化，像是速度、軌跡、手法等等。

常見的流行音樂曲式的段落有前奏、主歌、導歌、副歌、間奏、橋段、尾奏、Hook、Dance Break。一首歌中可能僅包含其中幾項，並可以有不同的排列組合方式。

前奏 (Intro)： 許多音樂都會有一段前奏來引出將要在主歌中出現的聲音，通常以樂器為主，營造氛圍。

主歌 (Verse)： 在以人聲為主的歌曲中，主歌通常有多個段落，旋律相似但歌詞不同，主要敘述故事、鋪陳情感，是歌曲的主幹。

導歌 (Pre-Chorus)： 導歌承上啟下，是連接主幹與高潮的橋樑，讓觀眾有期待感，為之後的爆發做準備。

副歌 (Chorus)： 在以人聲為主的歌曲中，副歌通常以同樣的形式重複出現，旋律和歌詞一模一樣，表達歌曲的核心價值，是最高潮的部分。

間奏 (Interlude)： 經常出現在副歌後，通常以樂器為主，旋律可能與前奏相似但層次更加豐富，是音樂的呼吸。

橋段 (Bridge)： 旋律發生變化，通常與主歌、副歌、間奏都不同，轉向新的角度，打破前面規律，營造懸念或爆發感。

尾奏 (Outro)： 許多音樂都會有一段尾奏來作為歌曲的結束部分，可能是逐漸減弱或強烈收尾，通常以樂器為主。

Hook： 在嘻哈音樂中副歌常稱為Hook，原意是鉤子，也就是音樂中最引人注目的部分。

Dance Break： 在韓國流行音樂中常在副歌後插入一段旋律與節奏完全不同的音樂，且通常沒有人聲，專門展示舞技的片段。

起 (開場、引子)： 鋪陳背景，建立基調，讓觀眾理解表演的主題與氛圍。可能是流行音樂的前奏與第一大段。

承 (發展、深化)： 延續開場氛圍，層層遞進，讓觀眾逐步投入。可能是流行音樂的間奏與第二大段。

轉 (高潮、變化)： 節奏突變，發生強烈對比，讓觀眾感受到劇情或情緒的轉折。可能是流行音樂的橋段與第三大段。

合 (結尾、收束)： 情緒收攏，完整表現主題，讓觀眾留下深刻印象。可能是流行音樂的尾奏。

序 (序幕)： 緩慢、鋪陳、營造氛圍，引導觀眾進入表演世界。可能是流行音樂的前奏與主歌。

破 (發展)： 加快節奏、變化開始出現、張力提升，讓觀眾投入其中。可能是流行音樂的副歌與整個第二大段。

急 (高潮)： 最高潮、快速且強烈、能量爆發，讓觀眾情緒達到巔峰。可能是流行音樂的橋段到尾奏。

世界觀與角色是從主題延伸而來的背景規則與人物塑造，由動作設計、造型設計和舞台設計堆疊而成。

「自願擱置懷疑」是觀賞者暫時接受表演中的虛構設定和想像世界，即使它們可能違反現實邏輯或自然法則。無意識、非刻意地打破世界觀或角色設定會直接導致自願擱置懷疑的破滅。

表演的方向來自於你的選擇，表演的能力來自於你的努力。

「選擇重要還是努力重要」也是一道經典的辯題，選擇與努力都是重要的，正如你選擇在這裡花時間為更好的火舞表演努力。

你選擇了火舞，才會在火舞的技術、知識上努力，努力增長的能力，讓你在準備表演時有更多選擇，你選擇這些動作、設定，又不斷地努力練習，才有了最後的成果。

選擇決定上限，努力決定速度。上限太低，速度再怎麼快，一下就撞上天花板；速度太慢，空有上限也毫無意義。如果可以先選對，再努力，那是最理想的狀況。但現實中，選擇往往不是斷然的對或錯，只能基於當下資訊做出判斷，如果選擇受限，那就用努力來創造最佳的可能性。

火舞是一項操控物件的表演，因此道具技術是你最重要的技能。

接著再考慮你所具備且適合融入火舞表演的其他技能，例如： 熱門舞蹈、武術、極限特技、現代舞、戲劇、劍道、儀隊、雜技、韓流舞等等。

招式二維表的橫軸 (X) 是視覺難度 / 效果，也可以說是觀眾群體覺得更難或更喜歡的招式，縱軸 (Y) 則是真實難度，也可以說是平均要花費更長時間才能熟練的招式。

從線性相關的概念看視覺難度 / 效果與真實難度，兩者是不相關的。並且由於麻瓜是看不出真實難度的，編舞實際上只會考慮視覺難度 / 效果。

在招式二維表上列出自己會的招式，除了方便再次檢視自己的能力，更有助於在正確的段落編排正確的內容。

透過關鍵幀編舞： 將表演中最重要的一個、三個或五個畫面，放在表演結構中最關鍵的位置，可能是劇烈的轉折、最高潮或結尾。

透過重複與靜止強化記憶點： 因為人的大腦會傾向接收重複的訊息，重複對於記憶非常有效。間隔重複相同或相似的片段，可以形成表演的「主題動作」，而在特定的動作後定格靜止，做出「亮相」，不只相當於短時間連續重複單一畫面，具有強烈記憶點，也是非常突出的舞蹈節奏轉換。

節奏是舞蹈動作的時間因子，通常來自於配樂，速度有快有慢的表演，才是有呼吸的表演。

表情是舞蹈動作的能量因子，構成表演者形象的關鍵要素，也是觀賞者獲得共鳴的橋樑。表情不只是表演者臉上的情緒，而是結合舞蹈節奏，全身透過力度、速度和幅度去體現。

構圖是舞蹈動作的空間因子，需要對色、線、行進行合理布局，結合舞蹈節奏與舞蹈表情，構成舞台上的想像空間。

表演通常無法選擇舞台形式，而是根據舞台形式調整表演設計。

鏡框式舞台是指觀眾席位於舞台的一側，而舞台的其餘側面被物體遮擋，是將觀眾與表演區分隔開的一種盒型式封閉舞台，舞台上的表演與觀眾的距離最遠。

三面式舞台是指主舞台大部分向前突出伸向觀眾席，這一部分的三個面都暴露給觀眾，形成一個開放空間，舞台上的表演與觀眾的距離較近。

中心式舞台是指觀眾位於舞台的四周，通常舞台位於劇場的中央，建築結構上沒有台口也沒有台幕，舞台上的表演與觀眾的距離最近。

舞台座標俗稱舞台九宮格，是從舞台上表演者的角度看向觀眾，靠近後台稱為上舞台，靠近觀眾稱為下舞台，右側為右舞台，左側為左舞台，中間為 Center。

舞台燈光不只是提供照明，也是一種藝術形式。它能在表演中提供視線引導、設置場景塑造環境，甚至控制觀眾的情緒，例如： 快樂溫暖的明亮黃色調、通常與悲傷相關的藍色調、以及帶來強烈情感像是愛或侵略的紅色調。

舞台佈景作用於表演類似歌詞作用於音樂，在人、道具和火之外，以實體物品、背幕和投影更具像化地建構世界觀和角色並加強敘事。若需要在表演中更換道具或點火，設計優良的舞台佈景能使過程合理且順暢，甚至成為表演的亮點。

舞台服裝也是表演的組成部分，是塑造角色外部形象與體現演出風格的重要手段。表演時需要穿著契合主題的表演服，通常比常服或制服更華麗，一般日常服裝，例如： 吊嘎、棉T、POLO衫、運動褲，並不合宜。

在某些特定表演主題，妝髮是角色視覺形象的核心，最好請專業設計師做客製化妝造。其他沒那麼依賴妝髮效果的表演，表演者也應至少做證件照妝髮，例如： 預先理髮並以髮蠟或幕斯等做定型、上基礎底妝並做簡單的遮瑕和修整畫眉、表演前補唇色。

表演固然沒有絕對分數，難以真的界定及格與否，但主觀層面的確有好與壞，而沒有人會不想讓表演更好。

編舞需要日積月累，從生活、書籍、電影、音樂和表演，汲取靈感、提升眼界和培養直覺，持之以恆地練習，最終形塑出自己。

選出適配的音樂與主題，確立表演結構，列出技能表，優先編排關鍵幀的內容並強化記憶點，安排整體的節奏、表情和構圖，填充舞序並豐富世界觀和角色，設計燈光、佈景和造型，最後檢視並改善表演。

表演一定有風險，火舞表演有好有壞，解構前請詳閱公開說明書。

觀賞者是表演的核心，初步建構表演後，不妨切換視角，以觀賞者的視點檢視表演。從自己開始，對著鏡子練習、錄製練習片段後慢放覆盤，接著請朋友觀看並給予意見，包含火舞表演者與不曾或極少觀看火舞表演的人，最後可以視觀眾群體的組成，參考背景相似者的觀後反饋。

整體感指的是從宏觀、感性的層面觀舞，以畫面和能量為主，講究的是你的感受，你喜不喜歡。

細節指的是從微觀、理性的層面觀舞，以個別動作的質感和表演的細部呈現為主，更深入地去拆分與解析，講究的是你喜歡什麼，你不喜歡什麼。

觀舞通常是從遠到近，先宏觀感受表演的整體氛圍，再微觀拆解細節如何撐起表演。

表演的完整性指的是在藝術性、技術性、情感表達與舞台呈現等多方面是否達到統一、流暢且有機的融合。

常見的問題例如： 是否有明確的核心主題或故事線？ 是否始終維持該主題的情感與風格？ 視覺與聽覺元素是否一致支持整體概念？ 觀賞者是否從開始到結束都能沉浸其中？

一場表演要成為經典，不僅需要技術卓越，更要有獨特的藝術價值，以及能夠超越時代的影響力。

常見的問題例如： 在當下的時空背景是否具有無可取代性？ 在當下的時空背景是否達到了領域的極致？ 是否創新出突破性的舞蹈語言與編排？ 是否具備深遠的影響力與持續傳承？

投射力 (又稱為氣場、舞台掌控力) 指的是表演者運用眼神、肢體、能量、情感與空間感，震懾全場並吸引觀眾的注意力。這種能力不只是技巧，更是一種內在狀態與外在表現的結合。

常見的問題例如： 眼神是否穿透空間，而不是發散或呆滯？ 動作是否向空間延伸保持動勢，而不是內縮或停滯？ 呼吸是否與能量同步，使能量自然流動？ 是否填滿空間，使表演者成為舞台焦點？

不同的道具受到材質、重量、長度、流動性等因素影響，視覺效果與觀賞者對於速度感的動態感受也有所不同，以火舞來說，長棍、扇、劍屬於慢速道具，球、流星屬於快速道具，短棍、龍棍則較特殊可快可慢。

音樂普遍以 80~120 BPM 作為臨界值，低於 80 通常屬於慢歌，高於 120 通常屬於快歌，在兩者之間則視其體裁而定。慢歌搭配快速道具、或是快歌搭配慢速道具，一般來說會較為吃力。

常見的問題例如： 是否跟不上音樂 (快歌搭配慢速道具)？ 是否慢不下來 (慢歌搭配快速道具)？

亮點指的是能讓觀賞者眼睛為之一亮、心靈受到震撼的瞬間。亮點是透過加法幫助表演加分。

常見的問題例如： 是否有觀賞者屏息凝視的高難度技巧？ 是否有觀賞者意想不到的驚喜？ 動作與音樂是否完美同步 (打點在音樂上)？ 表演者的情感是否真誠的發自內心 (不是刻意演，而是透過表演活出角色)？

合理性指的是動作、情境、情感、角色與舞蹈語言的連貫性與真實性，讓觀眾相信並投入其中。合理性是透過減法避免表演扣分。

常見的問題例如： 舞蹈動作是否符合人體自然邏輯？ 舞蹈風格是否與主題匹配？ 主題、舞台、服裝、音樂等元素是否相互呼應？ 舞台上的行為是否具有明確且合理的目的？ 角色的行動與反應是否符合故事的發展？ 情感是否來自內在，而非表面的動作執行？

視線引導指的是透過動作、燈光、隊形、視線方向等方法，控制觀賞者的注意力，使聚焦在關鍵的表演者、情感表達或故事發展上。

常見的問題例如： 表演者的目光方向是否提供明確的指引 (因為觀賞者經常跟隨表演者的目光)？ 手勢與肢體線條的引導是否提供明確的指引 (因為觀賞者會被最大、最快、最特別的動作所吸引)？ 是否能透過聚光燈強調焦點？ 是否能透過留白創造焦點？ 團體表演中，是否善用隊形達成正確的視線引導？

畫面資訊量指的是觀賞者在某一時刻的舞台畫面中所接收到的視覺、情感與敘事資訊。資訊量的掌控影響觀看的體驗，過多資訊可能讓觀賞者無法聚焦、產生混亂感，過少資訊可能讓畫面顯得空洞、單調。

常見的問題例如： 是否設立明確的主視覺焦點？ 資訊密度是否交錯變化，避免視覺疲勞？ 資訊是否過載，是否能精簡不必要的元素？ 資訊是否不足，是否能增加畫面的豐富度？ 團體表演中，每個表演者的動作是否一致？

什麼時候為道具點火是每一隻火舞表演都會面臨的問題。在舞台上點火，作為表演的一部份，必須考慮合理性。在後台內點火，則必須考慮從點火到表演實際開始間的不確定性。點火時機會影響道具的熱感與表演中的有效燃燒時間。

常見的問題例如： 點火方式是否符合世界觀與角色？ 是否有可能點不起火或太慢才點起火，此情況下怎麼辦？ 是否因太早點火而讓道具過燙或過早熄滅？

道具更換在火舞表演中除了刻意的編排設計外，也可能因火舞道具受限於吸附的油料量而被迫為之。順暢的換道具不僅能保持表演的流暢性，還能強化視覺效果、提升故事敘事的完整性。反之，若換道具過於突兀或拖沓，則可能影響觀眾的觀賞體驗，甚至讓人出戲。

常見的問題例如： 道具更換是否融入表演，是角色行為的一部份？ 道具是否擺放在順手且合理的位置？ 團體表演中，是否能在道具更換時設計視覺移轉，透過舞台焦點的變化或群舞掩護？

當前台灣火舞界常見的火舞特效包含： 噴火、噴火槍、炎爆 (爆棍、球與流星地爆)、地火 (去漬油)、火星 (鐵粉、鈦粉)、異色火 (酒精溶液)、閃焰 (石松粉)、打鐵花類 (冷光花、鋼絲絨、煙火、木炭)、閃燃紙等等。

常見的問題例如： 是否了解特效的特性與危險性？ 是否熟練特效的操作方式？ 特效是否為表演的亮點，是否合理，是否必要？

特效為表演服務，聰明而非盲目地使用特效，才不會付出了更多的心力與金錢、承擔了更高的風險，卻沒有提升表演的質量。比起特效，觀眾更在意表演者的個人風格與技巧，特效可以做到畫龍點睛，但不能取代真正的舞技與表演張力。

失誤在現場演出中幾乎是無可避免的挑戰，真正優秀的表演者，不是從不犯錯，而是能臨場冷靜應對，將失誤轉化為表演的一部分，甚至讓觀眾毫無察覺。

常見的問題例如： 失誤時是否能保持鎮定，不過度反應，自信地繼續表演 (觀眾的反應通常比舞者小，甚至可能沒察覺)？ 動作未完成時，是否能順勢收尾，而非硬要補救？ 記錯動作時，是否能順勢即興找回動作，而非停滯不動？ 道具掉落時，是否能透過即興或事先設計的橋段自然融入表演？ 服裝、燈光或音響出現問題時，是否能帶動現場氣氛繼續表演？ 團體表演中，走位錯誤時是否能透過眼神交流與小幅調整回歸正確位置，而非大幅移動影響流暢度？

讓火舞成為人生的一部份，讓人生成為火舞的一部份。